De Houston a Atenas, Rick Lowe lleva su escultura social a nivel mundial

Apr 30, 2023

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Cuestionario del artista

El artista, conocido por el influyente Project Row Houses en Houston, habla sobre la música, el baloncesto y la capacidad del arte para mejorar vidas.

por Adam Bradley

En Athens, a más de 6,000 millas de su ciudad adoptiva de Houston, Rick Lowe está en casa. Lowe visitó Grecia por primera vez en 2015, antes de su participación en Documenta, la exposición alemana de arte contemporáneo, que celebró su 14.ª edición en 2017 con el tema "Learning From Athens". Lowe hizo exactamente eso, aprendiendo de primera mano que la crisis de los refugiados aviva las tensiones entre las comunidades locales y los solicitantes de asilo que llegan principalmente de Medio Oriente y África. Activista desde hace mucho tiempo en casa, Lowe vio esta circunstancia aparentemente intratable en el extranjero como un llamado a la acción.

El arte, como Lowe lo concibe, es una práctica tanto social como estética, que requiere un compromiso a largo plazo con personas y lugares específicos. Su contribución a Documenta fue el Proyecto Victoria Square, una colaboración con la artista griega Maria Papadimitriou que funciona como un próspero centro comunitario de intercambio intercultural, acción política y creación artística centrado en potenciar el área de Victoria Square de la ciudad, conocida por su gran volumen de refugiados Ocho años después, sigue siendo el administrador del proyecto. VSP es arte que se despliega en medio de la vida cotidiana: lucha y alegría, trabajo y juego, política (presentación de un debate de alcaldes) y cultura (conversaciones, actuaciones y exposiciones frecuentes). Es solo la incursión más reciente de Lowe's en la escultura social, un concepto expansivo desarrollado en la década de 1970 por el artista alemán Joseph Beuys para describir una práctica que abarca las funciones comunitarias y políticas del arte para remodelar el mundo.

Lowe, de 61 años, ganó reconocimiento por primera vez en la década de 1990 por su esfuerzo comunitario radical Project Row Houses. Junto con un colectivo de artistas con sede en Houston, y con el apoyo del National Endowment for the Arts y la Fundación Elizabeth Firestone Graham, Lowe compró dos bloques de casas de escopetas en ruinas en el vecindario históricamente Black Third Ward de Houston y las transformó en espacios de arte y centros comunitarios. Aunque Lowe se alejó de las operaciones diarias en 2018, Project Row Houses aún prospera. En su trigésimo año, ahora comprende 39 estructuras en cinco cuadras de la ciudad y fomenta programas de educación artística, esfuerzos de enriquecimiento comunitario e iniciativas de desarrollo de vecindarios.

A pesar de toda su innovación, la formación artística de Lowe's fue tradicional. Como estudiante de arte en la Universidad Estatal de Columbus en Columbus, Georgia, a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, estudió pintura de paisajes a la manera de la Escuela del Río Hudson. "No fue realmente una decisión para mí", dice. "Era más bien que iba a una universidad pequeña, predominantemente blanca, en el sur, con un programa de arte muy tradicional". Después de mudarse a Houston y conectarse con el pintor John T. Biggers, Lowe cambió su trabajo hacia un estilo figurativo y político más explícito, que creía que le permitía "hablar más directamente a una comunidad en particular o a un contexto o circunstancia particular dentro de la sociedad". " Sin embargo, el enfoque de Lowe's fue cuestionado en 1990, cuando un estudiante de secundaria que visitaba su estudio con una clase lo enfrentó con una poderosa pregunta pragmática, una que Lowe conmemoraría más tarde en el título de una pieza de ruptura que se mostró en la Bienal de Whitney de 2022: "Si Los artistas son creativos, ¿por qué no pueden crear soluciones?" Este desafío llevó a Lowe a la escultura social de Beuys, que, junto con la influencia de Biggers, impulsó Project Row Houses y una serie de otras obras basadas en la comunidad, desde Tulsa a Chicago y ahora a Athens.

La escultura social puede ser transformadora, pero rara vez deja un registro tangible. En respuesta, en su estudio en Houston, Lowe ha vuelto en los últimos años a la pintura y el dibujo como un medio para archivar este trabajo transitorio y efímero. En septiembre pasado, Lowe presentó "Meditaciones sobre la escultura social", su primera exposición individual en Nueva York, con Gagosian. Presentó un nuevo trabajo inspirado en su práctica comunitaria, particularmente Project Row Houses y Victoria Square Project. Muchas de las obras involucran collages de papel que evocan fichas de dominó, vestigios de los juegos que Lowe jugó con los lugareños desde Houston hasta Atenas. "Encontrar gente en la mesa de dominó ha sido uno de los mejores regalos para mí", dice Lowe. Basándose en el orden improvisado de juegos específicos, sus lienzos mapean el espacio físico, así como las relaciones sociales y los estados psicológicos. Son intrincados y variados, juegan con la escala, con la fugacidad y la permanencia, con la memoria y la evanescencia. Son mapas que remiten a la comunidad, al estado natural de los seres humanos como seres sociales en una era de fractura e insolación.

Unas semanas antes de partir de Houston hacia Athens, donde tendrá dos importantes exhibiciones individuales a la vista este verano, Lowe se encontró con T por teléfono.

¿Cuál es la primera obra de arte que hiciste?

No sé si quiero decirte la pura verdad o si quiero tratar de ser un poco más sofisticado.

Olvídese de la sofisticación. ¡Nos metemos en eso hoy!

DE ACUERDO. Soy de una gran familia, somos 12, de Alabama. Alabama pobre y rural. Sin clases de arte. Nada de eso. Mi primer dibujo, y debo haberlo hecho a los 12 años o algo así, fue un dibujo de una mujer en la página central de la revista Jet. Mis hermanos siempre se ríen de mí. Creo que alguien todavía lo tiene en alguna parte. Así que sabes dónde estaba mi cabeza. Pero eso eran cosas de la infancia. Realmente no comencé a hacer arte hasta que estaba en la universidad, donde hice mi primera pintura de paisajes.

¿Cuál es la primera obra que has vendido?

En mis primeros días de pintura, tenía un sesgo anticomercial en mi pensamiento, porque era un trabajo figurativo que abordaba temas que eran muy personales para mí: problemas de los negros, problemas de pobreza, y estaba en conflicto acerca de cómo encajaban dentro de un mercado. Me costó mucho pensar que alguien sería dueño de algo que hablaba de las desgracias de otra persona. Por eso no vendí nada de la obra de mis primeros años como pintor. Y luego entré en la práctica social, donde no había objetos para vender. Pero cuando regresé [a dibujar y pintar], comencé a hacer estos dibujos de dominó. Vendí el primero a través de una pequeña galería aquí en Houston.

¿Cuándo habría sido eso?

Eso fue en 2015, 2016.

Así que tenías 50 años antes de vender tu primera obra de arte. ¿Qué crees que criticaría tu yo anticapitalista de 20 años y qué celebraría acerca de dónde estás hoy?

Probablemente se rascaría la cabeza y diría: "¡Estás vendiendo la revolución!" Pero creo que en el contexto correcto, vería que la revolución se mueve de muchas maneras. Hay muchos papeles que jugar. Eso es lo que mi yo más joven no entendía. Estaba tan absorto en los elementos prácticos [del activismo], tratando de mejorar las condiciones de vida de las personas, que descuidé entender el valor de la poética.

¿Dónde encuentras esa poética?

Siempre estuvo a nuestro alrededor. Una de las cosas en las que los negros nunca han fallado es cómo verse bien. Eso es algo muy estético. Eso es algo muy poético. No importaba cuáles fueran las condiciones, las condiciones prácticas, la gente aún expresa esa poética en formas que les son accesibles, como en el nivel más básico, en su adorno corporal.

Cuando empiezas una nueva pieza, ¿por dónde empiezas?

Solo elijo un lugar. John Biggers le pidió una vez al matemático Bob Powell que le explicara el arte sagrado de la geometría. Powell lo intentó, pero luego levantó las manos. "¡Artistas! Déjame dibujarlo para ti". Así que dibujó esta [secuencia] de 12 páginas. La primera página está en blanco. Hay infinitas posibilidades. La segunda página da un salto de fe. Simplemente baja la brújula. Y una vez que haces eso, tienes el comienzo de un lugar. Tomo el mismo enfoque con mis pinturas. Cuando tengo un lienzo en blanco, pienso: "Esto es un universo". Entonces voy a empezar. Pegue un par de piezas: mis pequeñas fichas de dominó, mis juegos de dominó imaginarios. Crece a partir de ahí.

Dado ese enfoque, ¿cómo sabes cuándo has terminado?

Ese es el gran desafío. Pero creo que es algo intuitivo. Trabajas en ello y trabajas en ello hasta que sientes que no hay nada más que puedas aportar. Las pinturas también le hablan al artista. Nos hablan y nos dicen dónde estamos y hacia dónde vamos. Y en un momento determinado, te dirán: Listo.

¿Qué música tocas cuando estás haciendo arte?

Como adolescente en los años 70 en el sur, los blancos tenían su música, los negros tenían su música. Tenían roca; teníamos alma. Fue bastante simple. Ninguno de nosotros se ocupó de nada fuera de eso. Pero cuando fui a la universidad y comencé a explorar, fue cuando me di cuenta de que mis intereses eran amplios. Me introdujeron en la música clásica. Me introdujeron al jazz. Y luego, a medida que las cosas evolucionaron, fue el hip-hop, el punk, la nueva ola y todo lo demás. Empecé a experimentar. Diré que cuando busco en mi alma y profundizo en quién soy, vuelvo a mis raíces. Pondré algún evangelio. O haré Curtis Mayfield, Lionel Richie. De hecho, tuve una llamada de Zoom con Lionel Richie el otro día y descubrí que creció a unas 30 millas de donde yo crecí.

El dominó juega un papel importante en algunos de tus trabajos recientes. ¿Qué te atrae del juego?

Mi conexión con el dominó se alimenta de mi inclinación hacia el activismo. Mi forma de ser activista se trata de conectarme con la gente y la organización comunitaria. ¿Quiénes son las voces? ¿Cuáles son sus preocupaciones? Descubrí bastante pronto cuando comencé a hacer arte comprometido con la comunidad, o arte de práctica social, como a la gente le gusta llamarlo, que cuando hablas con personas en entornos grupales, como reuniones comunitarias, obtienes un tipo particular de respuesta. La gente no quiere sonar estúpida. Son cuidadosos con lo que dicen. Pero cuando estás sentado con gente jugando a las cartas, al dominó o a las damas, donde todo el mundo está relajado, ahí es cuando realmente llegas a conocerlos. Entonces [jugar juegos] se convirtió en un componente clave de mi trabajo comunitario.

Veo cómo eso sería efectivo en Houston. ¿Qué te ha funcionado en Grecia?

Cuando comencé a trabajar en el Proyecto Victoria Square, estaba tratando de descubrir cómo conectarme con esa comunidad. Así que caminaba por el vecindario y solo revisaba las cosas. Y he aquí que un día veo un grupo de personas reunidas alrededor de una mesita. Me acerqué a mirar y estaban jugando al dominó. Estaban jugando un poco diferente a como jugamos aquí en Houston. Pero lo que pasa con el dominó: cada casa tiene sus propias reglas. Así que los vi jugar lo suficiente hasta que pude descifrar su enfoque. Resultó que no eran griegos, eran albaneses. Asentí con la cabeza hacia ellos, "¿Puedo entrar en el próximo juego?" Y todos parecían, "¿Quién es este tipo? ¿Qué está haciendo?" Me metí en el juego. Cometí algunos errores, seguro. Pero antes de que me diera cuenta, estaban fascinados con esta nueva persona jugando. Estos albaneses se convirtieron en los guardianes del espacio donde se lleva a cabo el Proyecto Victoria Square.

Tu arte está comprometido con la comunidad, con personas y lugares específicos. Al mismo tiempo, te has inclinado decididamente hacia la pintura abstracta. ¿Cómo cuadras esos dos impulsos?

Mi progresión ha sido hacia una comprensión ampliada, y creo que lo llamaría una comprensión más madura de la política y de cómo funciona el mundo. Al principio, después de aprender a hacer paisajes, lo rechacé porque no me permitía hablar directamente con la sociedad. Así que pasé al trabajo figurativo. Cuando estaba haciendo trabajo figurativo, el objetivo principal era mantenerlo estrictamente enfocado en los problemas de la clase trabajadora, hablar directamente con la gente de la clase trabajadora. Mientras hacía ese trabajo, un niño me desafió y básicamente me dijo que mis pinturas les mostraban lo que ya veían todos los días. "Si eres un artista y tu trabajo es crear", me preguntó, "entonces, ¿por qué no puedes crear soluciones?". Eso me llevó a un marco diferente. Con el trabajo de escultura social [como Project Row Houses], creo que realmente comencé a comprender un contexto más amplio para el trabajo político. Los principales beneficiarios de obras como Project Row Houses son personas de la comunidad de Third Ward. Sin embargo, igualmente importantes para hacer realidad ese trabajo fueron los simpatizantes más allá de la comunidad de todo el país. Eso se convirtió en una parte importante de cómo el trabajo podría operar en múltiples niveles. Y eso realmente me preparó el escenario para pasar a la abstracción como una forma de mirar y hablar sobre estos problemas urbanos y psicológicos con los que luchamos todos los días.

Eso está muy lejos de los paisajes.

La conexión entre mis pinturas a principios de los años 80, cuando estaba aprendiendo a pintar paisajes, y mis pinturas ahora, es que [ambas] me permiten mirar la tierra, la tierra, el lugar donde crecí en el sur. Saldría y tomaría fotografías de paisajes. Antes de ese punto, fue justo donde crecí; solo estaba allí. Pero cuando comencé a fotografiar y mirar la tierra, comencé a notar el bosque de pinos de color verde intenso y el suelo de arcilla roja. Esos [tonos y texturas] se convirtieron en la base de las pinturas que estaba haciendo, pero también quedaron impresos en mí. "Aquí es de donde soy". Entonces, cuando pienso en estas piezas de mapeo abstracto que estoy haciendo ahora, a veces pienso en ellas como paisajes. La perspectiva acaba de cambiar de vista directa a vista de pájaro, y entonces puedo empezar a mirarlo políticamente: cómo el paisaje a través de los mapas nos dice cosas y nos ofrece cosas en las que pensar. De vez en cuando, mientras hago estos trabajos, me atrae esa paleta de verdes y ese color óxido, el rojo que quema la tierra allí. Así que hay momentos en los que estoy pintando ahora cuando puedo sentir un profundo parentesco con mis primeros días de pintura.

¿Cuántas horas de trabajo creativo crees que haces en un día?

Bueno, eso depende. Como en este momento, hombre, he estado golpeando el reloj entre 14 y 16 horas por día.

¿Me estás tomando el pelo?

Sin embargo, es una alegría. Es un placer. Sabes, siento que este es el momento en este momento para mí, preparándome para estos espectáculos en Atenas, esto es como mis playoffs de la NBA. No hay parada. Como Kobe [Bryant] dijo una vez: "Al final descansas".

¿Eres aficionado al baloncesto? ¿Quién es tu equipo?

Realmente no tengo un equipo. tengo jugadores Durante los últimos 10 años, han sido los Splash Brothers [Stephen Curry y Klay Thompson de los Golden State Warriors]. Es hermoso verlos jugar. Y antes de eso, estaba mi hombre Kobe. Kobe siempre ha sido una inspiración para mí porque me gusta pensar que tenemos una mentalidad similar. Siempre le digo a la gente: "Puede que no sea el más talentoso, puede que no sea el más esto o lo otro, pero no vas a trabajar más que yo". Ese siempre ha sido mi modo de vida. Siempre que estoy en algo, estoy allí.

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