Ópera Nacional de París 2022

Nov 24, 2023

La puesta en escena de Robert Carsen se eleva a pesar del elenco mixto

Ha sido un comienzo difícil para la producción de "Ariodante" de la Ópera de París. Su estreno enfrentó una huelga del personal de backstage, y la segunda función fue cancelada por manifestaciones políticas. Por lo tanto, la prensa solo pudo ver el espectáculo semanas después de su estreno.

La ópera de Händel, sin embargo, merece mucho la pena la espera.

Uno de los títulos más interpretados del repertorio operístico de su compositor, "Ariodante" (después de un segmento de "Orlando Furioso" de Ariosto) trata sobre una intrincada red de sentimientos regidos por el amor, el deseo y la fidelidad. El drama es particularmente humano, y el libreto —de autor desconocido— disuelve cualquier sentimentalismo común. Las palabras esenciales son precisas, toda acción dramática se desvela con pocas palabras.

Los escenarios verdosos de Robert Carsen sitúan el drama dentro de una familia real ficticia de la Escocia moderna. El director de escena canadiense utiliza la exposición moderna de las vidas reales, refiriéndose específicamente al drama "Meghanexit" de 2020, para cuestionar cuánta privacidad e intimidad se puede o se debe otorgar a aquellos cuyas vidas y afectos son tanto propios como públicos, ya que el los miembros de la realeza también son el Estado.

La escenografía tiene algunos momentos hermosos. Carsen, quien también diseñó la iluminación, es experto en unir lo moderno y lo tradicional en la puesta en escena. La coreografía de Nicolas Paul, aunque demasiado terrenal y un poco fuera de ritmo, realza el drama al estar en la frontera entre la danza diegética y la alucinación surrealista.

Sin embargo, debo decir que el sentido del humor de Carsen a veces puede resultar demasiado kitsch. Al final, cuando explica pornográficamente su versión republicana de la monarquía, nos vemos obligados a ver figuras de cera de la realeza británica que muy probablemente no entrarían en el museo de Madame Tussaud en París, Texas. Tales intervenciones humorísticas trivializan todo el gran y elevado sentimiento de "Ariodante", pero, tal vez, en tiempos no coronados, mi alma republicana las encontraría un tanto divertidas.

Debo decir: incluso una actuación mundana de "Ariodante" es extremadamente agradable. La música es tan buena que el tiempo vuela. Casi todos los roles tienen más de un aria, lo que les da a los artistas mucho espacio para construir una relación entre ellos y el público. En general, diría que los cantantes pudieron transmitir mejor la atmósfera trágica que los momentos felices de la ópera. Dicho esto, a excepción de Dumaux, el elenco no parecía haberse calentado tan bien, lo que hizo que el primer acto fuera inferior a los dos actos posteriores.

La gran estrella de la noche, Emily D'Angelo en el papel principal, fue recibida con entusiasmo por el público del Palais Garnier. La mezzo canadiense tiene una voz un tanto andrógina que encaja bastante bien en el repertorio de en travesti. Si esa androginia fue aludida por su Siebel en el "Fausto" de Gounoud la última temporada, su Ariodante lo deja claro. Su voz tiene un vibrato rápido y un tono juvenil que le da al personaje una personalidad que a veces recuerda a un adolescente wertheriano perdido en la parte equivocada del siglo XVIII.

Aunque simpatizo mucho con el trabajo de D'Angelo, especialmente después de su espectacular paso por Operalia —donde ganó todos los premios posibles—, le faltaba un poco su Ariodante. Escénicamente, D'Angelo, aunque muy expresivo, no es el actor más natural, lo que se notó especialmente en una puesta en escena en la que sobresalieron la mayoría de los cantantes.

Su pronunciación italiana, a pesar de su apellido, fue difícil de entender en algunos momentos. D'Angelo sacrifica la pronunciación de consonantes oclusivas por el bien de su legato, lo que hace que algunas palabras sean ininteligibles ("cieca", "dopo", por nombrar algunas). En cuanto a los instrumentos, su voz se escucha sobre las paredes del Palais Garnier, pero tímidamente, desvaneciendo el tono heroico de Ariodante. Eso fue particularmente cierto en su aria final, "Dopo notte, atra e funesta"; La recapitulación de Ariodante del clímax de la ópera carecía de algo de la energía y la sensación de alegría más grande que la vida expresada por la fascinante coloratura de Händel. La voz de D'Angelo, sin embargo, brilla particularmente bien en el registro superior, y su registro inferior es muy uniforme y generoso con el público.

En su aria "Scherza infida", D'Angelo ganó sabiamente mucha expresión y una sensación de dolor al interactuar con tonos más claros de su voz en pianissimi, enfatizando la juventud y el verdor de Ariodante. Para mí, fue su mejor momento de la noche.

La soprano ucraniana Olga Kulchnysnka nos regaló una Ginevra muy prometedora. Sigo impresionado por sus incursiones en la gama media; su voz pura al entregar el texto me recordó a cantantes como María Bayo y hasta Patricia Petibon. Su Ginevra conserva un sentido de la virtud desprovisto de cualquier ingenuidad. Ella es políticamente inteligente, sabiendo muy bien cómo, frente a su situación injusta, adoptar una postura política ("Io ti bacio, o mano augusta"). Su "Il mio rawl martoro" era lírica y triste, representando el ejemplo más claro del inquietante aspecto espectral trágico de "Ariodante" que nunca gana por completo a su final feliz.

Probablemente el cantante que más se divirtió en el escenario fue el contratenor francés Christophe Dumaux como Polinesso, duque de Albany. Su carácter es malvado; sin embargo, Dumaux lo convierte en un embaucador simpático: cómo no amarlo cuando canta "Se l'inganno sortisce felice, io detesto per semper virtù". ("Si el engaño termina bien, odiaré para siempre la virtud")? En gran forma vocal, el contratenor ha ganado una tonalidad metálica en su voz, lo que es particularmente evidente en sus secciones de coloratura. Es notablemente bueno para aceptar las desigualdades de sus registros, especialmente en el borde inferior de su voz. Todas sus variaciones están llenas de estilo y un buen sentido de fraseo que solo aumenta el significado de las palabras.

Dalinda, la desleal doncella de cámara de Ginevra, fue cantada por la competente soprano serbia Tamara Banješević. La soprano tiene una hermosa voz, y su personaje muy probablemente pasa por el cambio dramático más grande de la ópera; sin embargo, nunca logró enunciar correctamente su texto italiano y dar a su personaje una personalidad musical más coherente. Mientras que en su "Neghittosi o voi che destino?" su claroscuro estaba allí con cambios dramáticos entre piano y forte, su dúo con Lurcanio ("Dite spera, e son contento") sonaba más como un asentamiento que como una comprensión entusiasta de que "un nuevo fuego se enciende en [su] corazón" ("novo ardor mi accende il sen").

Eric Ferring cantó Lurcanio con un tono de tenor más encarnado de lo que estamos acostumbrados a escuchar en el repertorio más ligero. Fue bastante satisfactorio escuchar un buen fraseo y una voz uniforme en todos los registros. Sus notas altas suenan naturales y libres; su tono no es ni infantil ni juvenil.

El tenor estadounidense, sin embargo, tuvo que luchar contra dos problemas. En el foso, Harry Bicket fue particularmente lento al dirigir las arias de Lurcanio, lo que le quitó algo de viveza al personaje. Pero aún más perjudicial fue la peluca y la barba rojas del príncipe Harry, que no solo distraían mucho, sino que también hacían que uno se preguntara si sería mejor evitar los recordatorios (en la ópera y en cualquier otro lugar) del peinado de Harry por completo.

Finalmente, Matthew Brook se enfrentó al rey escocés con gran enunciación del texto. Sin embargo, no tiene ninguna de las notas más bajas requeridas por la partitura, claramente un caso de un buen cantante que fue elegido incorrectamente. El cantante parece tener un gran sentido del fraseo; el problema es que la línea vocal del Rey a menudo se basa en mostrar una voz generosa que puede deambular por todos los registros con elocuencia y realeza.

Enrico Casari fue una grata sorpresa en el pequeño papel de Odoardo.

El Concierto Inglés, dirigido por Harry Bicket, tiene un tono hermoso, aunque los tempos fueron, para mi gusto, demasiado austeros y lentos. Bicket es muy competente en el manejo de la relación entre la puesta en escena y la música. En unos momentos, la orquesta incluso logró cambiar correctamente su efecto después de un gran aria, como si el canto transformara la forma en que los instrumentos verían la música. El continuo era más que ideal; en la entrada de Ginevra a los aposentos reales, antes de que le digan que Ariodante ha muerto, las improvisaciones eran tan hermosas que me encantaría volver a escucharlas.

Como decía antes, "Ariodante" de Händel es una ópera tan grande que, aún con mis reservas sobre la interpretación, la vería más de una vez, sobre todo con la puesta en escena de Carsen, que se adapta muy bien a la música. A pesar de la irregularidad de la interpretación musical en general, mi amor por la música de Händel y la belleza de la puesta en escena me hacen situar este "Ariodante" como uno de los aspectos más destacados de la temporada en la Ópera de París.

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Por João Marcos Copertino